Arte Chino y Arte Occidental
I Ficha Técnica:
Impresión: Sol Naciente
de Claude Monet,
óleo sobre tela,
1873.
Museo Marmottan, París, (Francia)
Estilo: Impresionismo
Mide 48 cm x 63 cm
I Ficha Técnica
Monte Lu
de Jing Hao ,
rollo de pergamino pendiente,
tinta sobre seda,
de mediados del siglo décimo.
Museo Nacional del Palacio en Taipei.
Análisis de Obra:
Sol Naciente:
Técnica: óleo sobre lienzo.
II Iconografía:
Motivos paisajísticos, representación de la naturaleza.
Es un arte figurativo, y tras el análisis de la realidad el resultado no es la imitación exacta de la misma sino al eliminar los detalles minuciosos se consigue una ilusión de la realidad a través de las pinceladas de color en forma espontánea.
Hacen un juego entre los colores que conforman cosas y las variaciones cromáticas que sufre el color en diferentes circunstancias atmosféricas y de intensidad de la luz.
En cierta forma los rasgos de este tipo de pintura se acercan a la estética del arte oriental Chino donde también se ocupó de jugar con las condiciones atmosféricas.
III Análisis Formal:
Relación Figura-Fondo:
El espacio resultante es altamente sensitivo, el artista plasma sus emociones en ese juego de contrastes que produce la luz en los distintos momentos del día.
Se observa en la obra elegida un juego de neblinas y sombras donde los barcos del Puerto que están en los planos más alejados se tienden a fundir con el horizonte y la bruma del mar.
Las formas no están bien definidas, el contraste se produce por el color y la luz.
Características:
Se observa un esbozo de la perspectiva invertida, en los barcos que se encuentran en el plano mas alejado del lado izquierdo de la pintura, en comparación con las barcazas del primer plano.
Color y Luz:
El impresionismo hizo uso de lo colores primarios (azul, rojo, amarillo), y sus complementarios (naranja, verde y violeta).
En la obra elegida se reconocen los complementarios directos (naranja en el sol naciente, cielo y reflejos del agua, verde en el cielo, en el agua y en la bruma del fondo, violeta para los contrastes de las sombras y las barcazas de los primeros planos).
Hay un predominio de colores cálidos y un juego de complementarios.
El grado de máxima saturación esta puesto en el acento del sol.
El color es modulado, está como “amasado”.
El resultado es una paleta variada en matices de los grises de color.
Textura:
Es visual, por la aplicación de pinceladas cortas de color, y yuxtapuestas.
Claves de luminosidad:
Clave media alta, la luz engendra la forma, esta plasmada la vibración cromática-lumínica.
Análisis de la iluminación:
Uso convencional de la luz natural (precepto del Impresionismo), se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos, las formas no están representadas en forma exacta, la luz tiende a difuminar los contornos.
La luz aparece coloreada, efectos con sombras.
Escala:
Representación de las del volumen por los efectos que produce la luz sobre las formas.
Composición:
Pintura enmarcada en un contexto paisajístico, cierta representación del horizonte.
Agrupamiento por forma y dirección.
Lo observamos en el aglomerado de barcos en los planos alejados.
Uso de difuminados, intención de representar la sensación atmosférica del puerto “Le Havre”.
Tensiones, direcciones, ejes, ritmo:
Preponderancia de ejes verticales, y horizontales (en el entramado de los mástiles de los barcos que aparecen en los planos mas alejados de la obra, y en las ondulaciones del agua, y los reflejos de la luz del sol sobre la superficie).
Armonía, equilibrio de formas.
Dinamismo:
El resultado es una pintura dinámica, por la vibración cromática lograda.
IV Iconología:
Aspecto Social e Histórico:
El único canal de exposición con el que contaban los pintores en Francia en el siglo XIX, se llamaba “el Salón de París”, que estaba vinculado a la escuela de Bellas Artes, esta escuela contaba con un prestigioso jurado que seleccionaba las obras enviadas.
Monet presentó la obra “Desayuno en la hierba”, el escándalo que produjo su presentación motivó la creación de “el Salón de los rechazados”, que tenía más éxito entre los jóvenes pintores, que el salón oficial.
Los pintores que se reunían en el café de Guerbois, decidieron crear un foro de exposición diferente a los oficiales, en el que pudieran mostrar sus obras todos los artistas independientes, así surgió la I Exposición de la sociedad anónima de artistas.
En esta exposición Monet presentó nueve cuadros, entre los que se encontraba esta obra.
El crítico de arte Louis Leroy llamó a esta muestra en forma despectiva como la “Exposición de los Impresionistas”. El cuadro fue duramente criticado, comparado con borrones. Curiosamente los integrantes de la Sociedad Anónima de Pintores tomaron este nombre como denominador del grupo.
Con esta obra Monet dejó en claro el objetivo del movimiento, que era captar la frescura de aquel instante en que la visión no percibe todos los detalles, sino a penas una impresión de la totalidad, marcó a toda una generación de pintores.
Este es el Puerto de Le Havre, lugar que Monet retrato en su obra Sol Naciente.
Esta obra fue pintada directamente del natural por Monet en el puerto de Le Havre, representando las neblinas del puerto al amanecer, mientras que el sol pugna por despuntar, creando reflejos anaranjados en el mar y en el cielo. La sensación atmosférica domina la escena, en donde las formas desaparecen casi por completo.
Aspecto Psicológico o Crítico:
El Impresionismo perseguía el objetivo de conseguir una representación del mundo en forma espontánea y directa.
Partía del análisis de la realidad, se pretendía que la obra reproduzca la percepción visual del autor en un momento determinado, donde la luz y el color real que emana de la naturaleza fueran plasmados en el instante que el artista la contempla.
Conclusión:
Lo más relevante de destacar en este tipo de pintura es el rompimiento de las estructuras de concepción de una obra que hasta ese entonces se tenía en Europa.
El desorden intencionado de los parámetros creativos de la época.
En pintura el Impresionismo rompió con las líneas, las formas, los colores neutros y la concepción de perspectiva occidental.
Fue la liberación del poder expresivo del color.
Después del análisis minucioso de esta obra, concluyo que fue acertada la elección de la obra en comparación con el arte oriental, encontré puntos de semejanza, sobre todo en la impresión de la naturaleza, si bien su aporte es más técnico y estético que interno.
En el caso de la pintura China el aporte es mas interno, anímico, utilizaron la representación de la naturaleza como espejo de sus estados de ánimo.
Análisis de Obra:
Monte Lu:
Técnica: Tinta aguada, aplicada con pincel sobre seda.
II- Iconografía:
Motivos paisajísticos. Representación de la naturaleza. Tendencia a agrupar cadenas montañosas, agua y vegetación.
No es un arte figurativo, es el resultado del sentimiento experimentado por el pintor, que tras la contemplación del paisaje lo plasma en la pintura.
Tras la representación de la armonía de los elementos tierra y agua, del ying y yang, el juego de las condiciones atmosféricas, de los estratos geológicos, representa la dialéctica del ser y no-ser, y dan como resultado una apropiación expresionista de la naturaleza, muy alejada de la imitación exacta, como sucede con la estética occidental.
III Análisis Formal:
Reticencia, (sentido continuado), se observa en las formas insinuadas, inacabadas, donde parecen ser una cosa y al terminar abruptamente sugieren otro significado que es completado por el espectador en su mente.
Empatía, (resonancia entre el perceptor y percepción), tendencia a revelar las armonías que están en la naturaleza, a través de representar paisajes que eleven al espectador a los estados de ánimo por los que el artista atravesó al realizar su obra, se lo llama Chi.
La empatía se realiza cuando espectador y artista vibran al mismo nivel, al mismo Chi.
Descripción de la naturaleza, como espejo de los estados de ánimo.
Se observa en los espacios neutros en cuanto a figura y fondo que el artista deja caprichosamente entre cada forma.
Ritmo vital, (representación del movimiento del espíritu por medio de los ritmos vitales de la naturaleza), se observa en las pinceladas sinuosas que representan las cadenas montañosas y sobre todo en las cascadas, pareciera que el agua realmente esta circulando, denota un ritmo armonioso.
Relación figura-fondo:
Vacío, (dialéctica entre forma y vacío), se observa en el juego de neblinas y sombras que ocultan las montañas, de donde el artista las hace emerger de la nada.
Las formas (montañas, árboles, cascadas) y el vacío están ubicados en un mismo nivel de análisis, el vacío es tratado como un espacio positivo, una pseudo-forma.
Espacio: Contraste de formas y gradaciones de tamaños, entre las cadenas montañosas y la vegetación. Espacio construido, sensitivo y monótono.
Características: Uso de la perspectiva invertida, a medida que las formas se van alejando del primer plano se van agrandando, y perspectiva aérea, características de la pintura China. Superposición y gradación de planos. Rechazo de la perspectiva del punto de fuga.
Color y Luz: Uso de la media tinta, recurso que da el uso del material: tinta, sobre el soporte: seda. Matices, aprovechamiento de la aguada. Uso del color negro, único contraste entre el material y el soporte, y de uso convencional.
Únicamente en las pinturas cuyo tema central son los animales, el hombre o los vegetales, se introduce el color .
El color es extendido en forma matizada, difuminado y modulado.
Textura: visual, gradación de trazos y sombras, uso de difuminados dan como resultantes medios tonos.
Claves de Luminosidad: clave media a media baja, por el uso del color negro.
Análisis de la iluminación: gradaciones intencionadas, uso objetivo de las sombras,
Luz natural, homogénea, con contrastes de matices.
Escala: perspectiva jerárquica, las montañas que asoman en los planos lejanos están sobredimensionadas, es una convención.
Representación del volumen por el juego de contrastes entre las luces y sombras.
Composición: pintura enmarcada en un contexto paisajístico, cierta representación del horizonte.
Agrupamiento por forma, y dirección.
Lo observamos en las cadenas rocosas y las irregularidades del suelo.
Monocromía, (negro- grises), en algunas formas existe contorno con líneas moduladas, en otras el recorte entre figura y fondo se da por el uso de difuminados (intención de representar la sensación atmosférica del Monte Lu retratado.
Tensiones, direcciones, ejes, ritmo: Preponderancia de ejes verticales, por sobre las diagonales. Esto se podría relacionar con el hecho de que (la pintura China apareció con el desarrollo de la caligrafía sobre el papel de arroz), y si nos remitimos a la forma de escritura de los caracteres chinos, la forma de agruparlos y leerlos siempre es en sentido vertical, nunca diagonal u horizontal, esto se traslada a la pintura.
Equilibrio: las formas tienden a un cierto equilibrio y armonía, cada una se corresponde con la otra.
Dinamismo: a pesar de la preponderancia de líneas verticales, se observan ciertos quiebres de dirección en pos de las diagonales, esto se observa en los agrupamientos rocosos.
IV Iconología:
Aspecto Social e Histórico:
Chin-Jao o (Jin-Hao). Era seguidor de Confucio, durante el período de las cinco dinastías (907-960 a.c.), se retiró a vivir al interior de la montaña T’ai-Hang.
T’ai-Hang es una región de bosques densos, nublados, marcada por picos irregulares, con características geográficas bien definidas, que fue el lugar adecuado para que Jin-Hao desarrollara sus técnicas en acuarela. Jin Hao comenzó su carrera artística durante los últimos años de la dinastía Tang.
Este tipo de pintura, se consolidó con la figura del pintor y crítico de arte Jing- Hao.
Estas son las montañas Tai-Hang Shan, en China del norte, en donde Jin-Hao pasó la mayor parte de su carrera, reclutado, viviendo como agricultor, y desarrollando su obra artística.
Fue uno de los primeros artistas chinos en emplear lavados de tinta (Yongmo), para simular la profundidad y la perspectiva atmosférica. Utilizó la tinta y la aguada, el pincel fino (Gongbi), era muy detallista.
Aspecto psicológico o Crítico:
Fue un gran observador de la naturaleza y sus cambios.
Estudió la pintura Tang, escribió un tratado sobre pintura llamado Bi Faji (una conversación sobre el método); en la obra escribe un diálogo imaginario entre un anciano que vive en el bosque (como Chin-Jao) y un campesino amateur (el que ama).
En donde reflexiona sobre el significado de la pintura y caligrafía ideando seis principios:
El primero es la Fuerza vital, (aliento, espíritu) Ch’i.
El segundo es la Vibración, (resonancia) Yün.
El tercero es el Entendimiento, (concentración), Ssu.
El cuarto es la medida, (barómetro), Ching.
El quinto es el pincel, Pi.
El sexto es la tinta, Mo.
El anciano dijo al campesino:- Los principios básicos detallados son:
1 La Fuerza vital (Ch’i): se obtiene cuando la mente se mueve al unísono con el pincel y traza las imágenes sin vacilar. El pintor o calígrafo guarda en su mente la idea que transmitirá con el pincel, guiando a este.
2 La Vibración (Yün): se obtiene cuando representas la forma sin alarde, y la perfeccionas con propiedad y decoro. Es también ritmo, consonancia, principio musical, con el que se debe expresar la armonía, entre las formas y la idea.
3 El entendimiento (Ssu): se obtiene cuando captas la forma esencial, y eliminando los detalles superfluos, dejas que tus ideas se cristalicen plenamente en las cosas que representas. También se refiere a la intención del pintor, en la que éste debe percibir el esquema de la composición y penetrar mentalmente en la escena. Define los aspectos compositivos: proporción, estructura, conseguidos por medio de la pincelada y sus categorías.
4 La medida (Ching): se obtiene tras estudiar las leyes de la naturaleza y las mudanzas del tiempo (los cambios del día y las estaciones), y cuando alcanzas lo extraordinario mediante lo común. Es también expresar los cambios de la naturaleza en su aspecto anímico, que conduzcan al espectador a una comunión espiritual con el artista. Es importante mostrar los escenarios adecuadamente.
5 El pincel (Pi): se obtiene cuando manejas tu instrumento con soltura, sirviéndote de los distintos tipos de pinceladas de acuerdo con tu propósito, aunque sin infringir ciertas reglas. Es importante no considerar el pincel ni como forma (hsing), ni como sustancia (chih), sino como movimiento, algo parecido a andar o volar. También es habilidad con el pincel. Principio que va más allá de su valor técnico.
La habilidad y el conocimiento de las posibilidades del pincel permiten dar forma al espíritu de la obra fluidamente, traspasando los límites de su valoración como instrumento técnico. Al representar una idea, el pincel ha de fluir al ritmo de la mente, que solo se conseguirá a través de un correcto dominio de éste.
6 La tinta (Mo): se obtiene cuando distingues las partes altas y bajas de las cosas mediante la gradación de los tonos, y representas claramente lo que tiene profundidad y lo que no, de tal modo que las cosas parezcan naturales y como si no estuviesen pintadas. Es también categoría unida al pincel por ser su soporte material. Se puede adquirir habilidad con el pincel (apariencia formal), pero carecer de ella con la tinta (apariencia interior). El buen conocimiento de la tinta permite crear espacio y luz, como dotar a las formas de sutiles matices por medio de la aguada. De un artista que recoge en su obra estos principios se dice: “tiene pincel, tiene tinta”.
Y el anciano dijo: -Una pintura puede ser divina (Shen), sublime (Miao), notable (Ch’i) o hábil (Ch’iao).
Una obra divina es aquella donde nada sobra y las imágenes están trazadas con espontaneidad según los movimientos del pincel.
Sublime es la obra realizada gracias al entendimiento, luego de atravesar cielo y tierra e indagar la naturaleza de todo lo existente, de esta forma el aspecto exterior y la naturaleza interior del objeto concuerdan con sus propiedades, “todos los objetos se asientan en su forma propia mediante el pincel” (libro de los Cambios).
Notable es la obra en la que el pincel se desenvuelve de forma libre, inesperada, aunque los objetos se desvían del motivo real o carecen del equilibrio debido. De estas obras podemos decir que tienen pincel pero no entendimiento.
Hábil es la obra rica en detalles seductores, minuciosamente esculpidos y ensamblados. Puede que pretenda seguir las leyes básicas de la naturaleza, pero en realidad solo consigue copiar fielmente el aspecto externo de las cosas, apartándose así cada vez más de las imágenes inflamadas de espíritu (Ch’i). De las obras de esta clase se puede decir que carecen de realidad aunque poseen una gran belleza sensual.
También le dijo al campesino: -Las potencias (Shih), del pincel son cuatro:
El músculo (Chin), la carne (Jou), el hueso (Ku), y el aliento (Ch’i).
Si el trazo es discontinuo pero su fuerza se mantiene constante, su potencia se llama músculo. Si el trazo aumenta o disminuye de grosor sin menoscabo de su fuerza interna su potencia se llama carne. Si el trazo es recto y vigoroso y le imparte vida a la materia inerte, su potencia se llama hueso. Si cada uno de los trazos que componen el conjunto de la obra es inexpugnable, la potencia total se llama aliento.
-Una pincelada cuya tinta es demasiado espesa, no tiene soporte, mientras que una pincelada demasiado aguada, carece de aliento. La pincelada que no tiene músculo tampoco tiene carne. La pincelada que se interrumpe del todo no tiene músculo. La pincelada bella no tiene hueso.
-En pintura hay dos clases de errores: el primero comprende los defectos que tienen que ver con la forma y el segundo aquellos que no.
-Los defectos formales son los siguientes: pintar árboles y flores fuera de temporada, pintar las casas más pequeñas que las figuras humanas, pintar los árboles más grandes que las montañas y pintar puentes que no terminan en ninguna parte. Estos son errores de cálculo y la pintura se puede corregir ajustando las proporciones.
-Los defectos que no tienen que ver con la forma son: la falta de fuerza vital, y de vibración y la representación de objetos que violan las leyes de la naturaleza.
En esos casos ni siquiera la ayuda de la tinta y el pincel sirven de nada.
Como estas pinturas son mediocres no se pueden salvar ajustando detalles.
Con estos principios elevó la pintura del paisaje a la máxima expresión, pintando paisajes panorámicos de grandes cumbres e impresionantes vistas. Organizó el paisaje por medio de la aplicación de distancias (perspectivas): distancia alta (gaoyuan), mostrando la profundidad a través de grandes alturas que consiguen diferentes sensaciones espaciales para el espectador, al jugar con la coloración de los elementos del paisaje anulando la idea de un foco visual único y permitiendo en consecuencia puntos de vista múltiples. A lo lejos se alzan las montañas, en las que se destaca un pico central, en el plano intermedio, árboles, rocas y cascadas. Distancia profunda, (sheng-yuan), que penetra en los elementos del paisaje, y la distancia a nivel, (ping-yuan), la más próxima a nosotros, en la que los elementos del paisaje van perdiendo nitidez conforme se alejan del plano central. Estas tres categorías no son excluyentes entre sí, sino que a menudo aparecen complementándose para lograr el efecto deseado por el artista.
Conclusión:
La coherencia en la manera de ver el mundo y la filosofía China es asombrosa.
La manera de sintetizar la emoción en forma, el arte de disfrutar de las pequeñas cosas de la vida.
Coincido con la concepción taoísta de describir la naturaleza usándola como espejo de los estados de ánimo.
Para ello se apartaron a retiros montañosos como el citado, para a través de la contemplación vaciar de imágenes sus mentes y escuchar en silencio las armonías de todas las cosas. Porque de eso se trata la vida, de detenerse a pensar y retomar el viaje.
Tenemos mucho que aprender los occidentales de la cultura China, el arte de la meditación, es necesario bajar el ritmo de vida que llevamos para no perdernos de las cosas mas simples que tiene la vida, la búsqueda de la felicidad.
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